Nitrato de plata

El expreso de medianoche

2009-10-01T08:47:00.000-07:00

JAVIER PÉREZ

La profundidad psicológica de sus personajes es un sello en la filmografía de Brad Anderson, un tipo que, por ejemplo, logró convertir una película aparentemente anodina como Nex stop wonderland (1998) en una atrayente comedia romántica con personajes entrañables, y sorprendió con El maquinista (2004) y su manejo del protagonista (un Christian Bale irreconocible). Ahora, tras explorar en la dirección de algunos capítulos de diversas series televisivas, Anderson entrega en El expreso de medianoche (Transsiberian; RU-Alemania-España-Lituania, 2008) una historia de suspenso hitchcockiano (que escribió junto con Will Conroy) enmarcada por corruptelas policiacas hermanadas con el crimen organizado, un paisaje inhóspito en la estepa siberiana y un delincuente mañoso tratando de escapar con un botín multimillonario.

Siguiendo una fórmula básica, el filme de Anderson tarda 45 minutos en tomar forma, aunque lo hace con un giro en la trama que se sacude la previsibilidad elemental con la que comienza y consigue dotar de cierta profundidad a sus personajes. Y es que desde la primera secuencia, cuando el detective Grinko (Ben Kingsley) aparece en la escena de un crimen, todo parece ir conforme a los cánones: es evidente que Grinko responde a intereses externos a los policiales y que el bonachón Roy (Woody Harrelson, metidísimo en su papel) y su esposa Jessie (la guapa Emily Mortimer con cara de mortificada), a punto de abordar el expreso transiberiano que le da su título original a la cinta, que los llevará de China a Moscú (casi como meterse a un panteón en una película de zombis), serán los seres humanos comunes inmersos en una situación extraordinaria.

Y más cuando comparten su camarote, por iniciativa de Roy, con Carlos (Eduardo Noriega, en papel de machín) y Abby (Kate Mara), quienes, otra vez evidentemente, ocultan algo. La drogadicta redimida Jessie (y fotógrafa aficionada) detecta las actitudes delincuenciales, aunque por eso mismo se siente atraída por él y siente compasión por ella. Jessie se entera de qué trata el negocio cuando tiene que bajar del convoy y esperar a su marido en compañía de Carlos y Abby debido a que su marido parece haber perdido el tren en una parada: la sensación de desasosiego que ella experimenta es bien delineada por Anderson, quien ha puesto todos los elementos de suspenso para que así sea. Mientras tanto, Jessie tiene un altercado con Carlos cuando hace un viaje en autobús en la espera del siguiente tren, lo que la hace guardar un secreto atroz que se complica hasta el extremo de poner en juego sus vidas cuando su marido llega acompañado del corrupto detective antinarcóticos Grinko, quien lleva el sartén por el mango.

Aunque ha dado un paso atrás en su filmografía, Anderson logra atmósferas intrigantes y secuencias de acción que, sin destacar por sus efectos, consiguen su objetivo. Otra vez Rusia, un lugar donde la gente muere -dice algún personaje-, aparece como lugar de corruptelas y abusos.

Historia romántica rebelde, entrevista con Alberto Cortés

2009-09-06T18:23:00.000-07:00

JAVIER PÉREZ

Tras un viaje a la comunidad La Esperanza, en el municipio autónomo zapatista de San Pedro Michoacán, Chiapas, Alberto Cortés quedó impresionado con lo que sucedía ahí con los zapatistas, “pero más bien a nivel de los pueblos, de la gente”. Eso le generó la inquietud de “querer mostrar lo que estaba pasando”, dice en entrevista. Y agrega: “También porque hemos conocido el zapatismo a través de documentales y reportajes, pero nunca se había pensado en mostrar todo lo demás a partir de una historia de ficción. Ése fue el reto”. El resultado es Corazón del tiempo (México, 2008), largometraje de ficción que, actuado por la gente de la comunidad (coproductora de la película), cuenta la historia de amor entre una mujer joven ya comprometida y un rebelde del Ejército Zapatista de Liberación Nacional, la cual rompe con las tradiciones al tiempo que alega por el derecho de la mujer a decidir sobre sí misma.

–Desde que aparecieron, los zapatistas tenían una ley de mujeres –explica Cortés–. Es algo de lo que va cambiando dentro de la comunidad zapatista: el lugar que se da a la mujer en la sociedad, y también el que le han dado en los puestos de gobierno y mando, en el caso del EZLN, y de mando, en el caso de las juntas de buen gobierno. Son cosas muy sorprendentes. Y bueno, tenemos esta historia romántica de esta chica que tiene este conflicto, que choca con la tradición, y la manera de ver cuál es el papel que tienen las mujeres, que por lo general en todas las sociedades es aceptar el destino que se impone. Pero esta chica ha decidido tomar el destino en sus manos.

–¿Por qué decidió hacer una historia romántica para tocar estos temas del zapatismo?
–Me parece que a través de una historia romántica podía entrar más a los sentimientos y emociones. Teniendo esto como pretexto, podía mostrar cómo se está viviendo aquí. Podría ser una historia romántica que sucede en cualquier lado, en cualquier sociedad, en cualquier momento, con la que nos podemos identificar todos.

–¿Cómo fue la convivencia con los lugareños? ¿Fue difícil que se abrieran y se mostraran como son?
–No. La dificultad de plantearle a un grupo de gente específico, como los zapatistas, y más en concreto a un pueblo, estaba en cómo decirles que harías una película si muchos de ellos nunca habían visto una. Empezamos por mostrarles cine. Hicimos un cineclub y por ahí comenzamos a abrirnos las puertas. Fue la mejor decisión que tomamos porque nos empezamos a dar a conocer a través del cine, pero a través de su marca más amable, que es la exhibición. Nunca metimos una cámara ni quisimos entrevistarlos porque una cámara es muy intimidante para cualquier persona.

–¿Cómo fue haber trabajado con los lugareños como actores?
–Fue interesante y muy divertido porque en esa zona de Chiapas una de las características que tienen es que han erradicado el alcoholismo: llevan más de 20 años sin beber. Así que todos estos jóvenes que aparecen en la película han vivido en una sociedad mucho más sana. Les resultó muy atractivo involucrarse en el juego de lo que es el cine, quedamos muy gratamente sorprendidos por su nivel de entrega y compromiso. Fue un proceso muy largo, pero al mismo tiempo sorprendente para nosotros. Era más difícil plantearse meter actores y hacerlos que se manejaran en un lugar como la selva, a caminar en el lodo o montar, trabajar un fogón o hacer tortillas. Era más complicado tratar de que gente de fuera supiera manejarse en un medio tan difícil como la selva Lacandona. En cambio, el otro proceso es como entrar en el arte de la representación, fue diferente, pero tenía la riqueza de que ellos saben cómo es la vida aquí.

–¿Qué significa para usted el movimiento zapatista, cambió su perspectiva a partir de la filmación de la película?
–La filmación fue el proceso final, porque este proceso lo empezamos por ahí de 2002. A mí me sorprendió muy gratamente lo que está sucediendo ahí: es una revolución, una comuna, un experimento social muy importante, una aportación muy grande que se ha hecho para México. A partir de 1994, el concepto que se tiene del mundo indígena en todo México ha cambiado desde la aparición del zapatismo.

–¿Qué opina de la situación actual del cine mexicano?
–Atraviesa por una etapa muy interesante porque se pueden encontrar gran diversidad de películas y temas. De pronto puedes ver películas de mexicanos en Hollywood, puedes encontrar otras más experimentales, como puede ser el trabajo de Reygadas, o propuestas muy novedosas como Temporada de patos o Lake Tahoe, o películas como la que estamos planteando nosotros. Parece que vivimos un momento muy interesante. Desgraciadamente, toda esta imaginación de propuestas y diversidad de abordar el cine no corresponde con una distribución y exhibición igual de imaginativas. Todavía falta luchar por conseguir más pantallas y una igualdad de distribución y promoción para nuestras películas, pero me parece que vivimos un momento muy imaginativo.

Corazón del tiempo se exhibe en Cineteca Nacional, Cinépolis y Cinemas Lumiére.

http://www.corazondeltiempo.com/

Cortos de largo alcance

2009-09-02T15:32:00.000-07:00

JAVIER PÉREZ

El Short Shorts Film Festival México, dedicado a reconocer el trabajo de los cortometrajistas, tendrá en su cuarta edición, que se realizará entre el 3 y el 11 de este mes en la Cineteca Nacional y Cinemex, un importante programa de tributos y retrospectivas dedicados a mostrar el trabajo en cortometraje de cineastas consagrados y trascendentes del cine mundial.

Entre 1966 y 1980, el polaco Krysztof Kieslowski realizó cortos documentales y de ficción que serán presentados por primera vez en México. Los trabajos en este formato que hiciera a finales de los años ochenta y principios de los noventa (también hay tres de este siglo) el finlandés Aki Kaurismäki serán presentados en retrospectiva, al igual que los de Roman Polanski de finales de los cincuenta. Asimismo, un programa especial reúne seis cortos de directores contemporáneos (el sueco Roy Andersson; los argentinos Lucrecia Martel y Daniel Burman; el mexicano Reygadas (2) y el ya citado Kaurismäki).

La sección competitiva también tiene sus sorpresas. México cine (cortos en 35 mm), integrada con 25 trabajos en tres programas, incluye a directores como Julián Hernández, Roberto Fiesco y Michel Lipkes. En México video competirán 26 cintas en tres programas, mientras que en la sección Iberoamericana, 17 en dos.

Short Shorts también presentará programas de muestras (asiáticas, japonesas e internacionales), así como exhibiciones especiales dedicadas a cuatro cortos de la Nueva Ola (de Resnais, Truffaut, Fréling y Franju), otra a los 25 años de Imcine y una más a las visiones de Europa. Del 3 al 11 de septiembre en Cineteca Nacional y Cinemex.

Más información: www.shortshortsfilmfestivalmexico.com

Obsesiones celosas

2009-08-31T16:14:00.000-07:00

JAVIER PÉREZ

No es una de las mejores películas de Claude Chabrol, hay que decirlo, pero se conduce por terrenos interesantes que responden a un tema recurrente en la filmografía reciente del ya casi octogenario nuevaolero: la obsesión por el otro y el desmoronamiento por los celos. Una mujer para dos (La fille coupée en deux; Francia, 2007), protagonizada por la no hace mucho reincorporada a los primeros planos del cine francés Ludivine Sagnier (Swimming pool), es una historia romántica que lleva los encuentros/desencuentros del enamoramiento no a los planos de la comedia romántica, sino a los complejos y salvajes territorios de la posesión (y, además, cosificación de la mujer) en una sociedad francesa aparentemente liberal y civilizada.

Partiendo del lugar común de la chica ingenua aunque, eso sí, inteligente y con capacidad de decisión (Sagnier), que se enamora perdidamente del experimentado y afamado escritor Charles Denis (François Berléand) que la introduce a insospechados senderos del placer, con todo y que al mismo tiempo le sale pretendiente millonario de su edad (Benoit Magimel, ya actor recurrente de Chabrol), la cinta se esfuerza por llegar y aterrizar en el tema de los celos y sus enfermizas repercusiones.

Como es clásico en el cine del maestro Chabrol (ha dirigido, entre muchísimas otras, La dama de honor, 2004, y La flor del mal, 2003), los elementos de comedia negra impregnan el filme. Su simbólico final ilusionista, que explícitamente alude al título original (una mujer partida en dos), no deja de ironizar sobre el valor de la honestidad dentro de una sociedad hipócrita y sobre la capacidad autodestructiva de algunas verdades.

Shinya Tsukamoto, poeta y guerrillero del cinematógrafo

2009-08-03T16:05:00.000-07:00

ENRIQUE MONTAÑEZ

Las expectativas que suscitó el pasado Séptimo Festival de Horror, que la Cineteca Nacional cubrió completo y bien, acerca de Shinya Tsukamoto se cumplieron. Para quienes desconocíamos la filmografía del director japonés, en un primer momento nos pareció hiperbólico la consideración que tiene de él José Luis Rebordinolo, crítico español que escribió un libro de obra, vida y milagros de Tsukamoto, quien lo define como “poeta y guerrillero de la imagen”.

Tetsuo: El hombre de hierro (Japón, 1989), ópera prima de Tsukamoto, es un palimpsesto cinematográfico delirante. Filmada en 16 mm, con presupuesto raquítico, y en un blanco y negro que como pocas veces exulta el onirismo y sondea las posibilidades súmmum del inconsciente, la película no esconde que su creador ha abrevado de los orígenes del cine expresionista, de Robert Wiene, por ejemplo; del surrealista, del ciberpunk más vociferante, de la escena glam de finales de los años setenta y parte de los ochenta y, por supuesto, de la psicosis lyncheana y las pesadillas orgánicas de Cronenberg.

Tsukamoto, pese a las limitaciones económicas para filmar su primera cinta y los riesgos inherentes del género gore, demuestra prurito de pensamiento y obra. Efectivamente, Shinya es un poeta de la imagen. Los primeros cinco o diez minutos del filme son una sucesión de imágenes hermandas en lo lírico con el futurismo poético de Filippo Tommaso Marinetti, es decir, la exaltación sinestésica de la belleza del metal, del encarnizamiento más agresivo y del industrialismo como absoluto, entre otros principios más sutilez. Después, la película desemboca en un rito orgiástico del advenimiento de la nueva estirpe: el ciborg, cuyo sino es dominar al mundo.

Tras un accidente automovilístico, un hombre empieza a sufrir una metamorfosis terrible: su estructura ósea paulatinamente se convierte en metal hasta que la piel abre paso al verdadero ser que lo constituye. En este trance, “El fetichista del metal”, personaje siniestro y retorcido, se encargará de explicarle el porqué de su transformación y su papel en el nuevo orden que ambos erigirán.

“Tetsuo” es una utopía febril de un mundo dominado por la tecnología y seres de acero, donde la fragilidad y lo perecedero de la carne es parte de un pasado de valores, relaciones e ideologías decrépitas. Tsukamoto construye un evangelio posindustrial, en el que su eccehomo ciberpunk debe sufrir lo impensable para después renacer en un superhombre, cercano al concepto que Nietzsche tenía de éste.

La Buena Nueva es la instauración de un paraíso tecno, de entidades adánicas que han superado las debilidades de la carne y las liviandades de espíritu. Por demás herética es la concepción y el alumbramiento del nuevo ser, que deviene en una santísima dualidad homosexual. “Tetsuo” cierra con una epifanía que augura sangre y destrucción, con la certeza de los personajes unidos orgánicamente de que su amor “destruirá este mundo de mierda para reinventarlo”.

'Cosas que nunca te dije', de Isabel Coixet

2009-07-20T15:56:00.000-07:00

ENRIQUE MONTAÑEZ

No es novedad afirmar que la cartelera cinematográfica nacional cede poco espacio de difusión a películas propositivas y de calidad. Dominada por la producción de Hollywood, en su mayoría prescindible y altamente deleznable, la oferta de cine en México en contadísimas ocasiones filtra cintas de autor o le da seguimiento a la obra de cineastas que en otras latitudes sí son difundidos y, por ende, respetados.

La filmografía de Isabel Coixet (Barcelona, España, 1962) ha sido desatendida por los dueños de las cadenas de cine en nuestro país e, incluso, despreciada por ciertos críticos de cine advenedizos. Sólo dos de sus películas se han exhibido comercialmente, Mi vida sin mí (2003) y La vida secreta de las palabras (2005), y esto con absoluto desdén: fueron programadas en dos o tres salas, en horarios poco accesibles y con sólo una semana de corrida.

La Cineteca Nacional, cumpliendo con su cometido fundacional y siempre un oasis entre la aridez de nuestra cartelera diaria, proyectó hace poco el filme de Coixet, antecesor a esa especie de saga conformada por las dos cintas mencionadas, protagonizada por Sarah Polley. Me refiero a Cosas que nunca te dije (1995), historia original de la directora española, como lo son todas sus películas, estelarizada por Lili Taylor, Andrew McCarthy y Alexis Arquette, y considerada la que cimienta las bases de su obra posterior.

La filmografía de Coixet se singulariza por el tratamiento maduro y sin cortapisas sensibleras de temas como el enfrentamiento con la muerte (tras el anuncio de una enfermedad terminal a una joven madre de dos hijas en “Mi vida sin mí”), la agresión sexual y sus consecuencias psicológicas (horrores sufridos por la protagonista de “La vida secreta de las palabras” producto de la guerra de los Balcanes), la soledad, la alienación social y el amor puro, que se instaura como una de las vías para la salvación existencial terrena.

Otras características a destacar son el gusto de la cineasta barcelonesa para seleccionar la diversidad de géneros y temas musicales para acompañar, en el momento preciso, su lenguaje cinematográfico sincero y emotivo, y la solvencia literaria de sus guiones, capaces de involucrar sentimentalmente al máximo a los espectadores, quienes empáticos o no con las tesis narrativo-fílmicas de Isabel Coixet, nunca terminan defraudados.

'Déjame entrar', exégesis meritoria del vampirismo

2009-07-15T10:20:00.000-07:00

ENRIQUE MONTAÑEZ

En muy contadas ocasiones la cartelera cinematográfica de nuestro país ofrece productos de calidad. Éste es el caso de Déjame entrar, película dirigida por Tomas Alfredson, que tuvo una breve exhibición en cines comerciales, pero que la Cineteca Nacional acertadamente sigue proyectándola. La cinta sueca puede aducirse como una oposición inteligente y altamente emotiva a ese inmundo pastiche llamado Crepúsculo (me refiero tanto a la novela como a su adaptación fílmica. Desconozco cuál sea peor), que tanto éxito tiene actualmente entre lectores ocasionales, nada críticos, adolescentes y algunos adultos.

Déjame entrar es una exégesis meritoria, propositiva y hasta cierto punto innovadora del tema vampírico, no una mezcolanza con ingredientes ya vistos o leídos hasta el hartazgo sobre el asunto, como lo es la "obra literaria" de Stephenie Meyer. La película sorprende por la inocencia de realidad que la permea, pese a la presencia de cuestiones monstruosas en el entorno. Es una sinfonía dulce con interrupciones de repuntes dramáticos terribles, a la que el espectador jamás es inmune. Otro de sus valores es la mesura artesanal con la que la filmó Alfredson, jamás intenta que el trabajo de la cámara, aunque siempre preciso, se sobreponga a la intencionalidad de la trama.

Los niños protagonistas encarnan una visión no maniquea del bien y del mal, recurrente en las representaciones del vampirismo. Oskar es la inocencia y el candor propios de un espíritu aún no profanado; la belleza del ser en su estado puro, aunque por momentos irremediablemente seducido por lo oscuro de la naturaleza humana. Eli es la "niña" vampiro, actuada inquietantemente por Lina Leanderson, sobre quien, por consecuencia, recae el sino de la malignidad, que jamás sabemos si fue adquirido por libre albedrío o por una tragedia consustancial.

En Déjame entrar atestiguamos una coexistencia pacífica entre el bien y el mal, una especie de armisticio fraguado por el inexplicable poder de la infancia para nulificar toda beligerancia entre valores o para andar por el mundo sin prejuicios o anatemas todavía no inoculados. La belleza y lo horrible, lo celestial y lo infernal, lo puro y lo impuro: intangible división entre uno y otro; margen que, de acuerdo con la posible tesis de la labor cinemática de Alfredson, es dilatado por la corrupción de la yoidad adulta.

Oskar y Eli se complementan. El yin y el yang natural que estructura esta relación de amor-necesidad-protección entre ellos subvierte toda consideración moral o religiosa que se tenga acerca de la polaridad entre bien y mal. El viaje que ambos niños emprenden juntos es una búsqueda metafórica del edén, pero de ese paraíso en donde es factible comer con glotonería del árbol de la vida, por la simple, y a la vez grandiosa, potestad de la infancia.